En el siglo XIX, comienza a desplegarse, en el arte, una serie de planteamientos, interrelacionados y otras antagónicos, cuyo activismo ha llegado hasta nuestros días.
El diseño moderno nació como una reacción a ese panorama tan conservador. Como punto de arranque de la nueva visión artística, y hay que situarlo al Impresionismo: como el “Movimiento” pictórico que se origino en Francia en la década de 1860 que formaba parte artistas como Claude Monet, Edgar Degas y Paul Renoir, que pretendían reflejar las escenas lo más objetivamente posible. Sus cuadros abarcaban un amplio abanico de temas (la naturaleza, los efectos cambiantes de la luz, la vida urbana y el retrato) reflejo de sus intereses artísticos e individuales”. Con esa actitud en defensa de la subjetividad de la representación, afianzada en las sensaciones cromáticas sugeridas por el sol, la luz y los aires.
Los principios vitales del impresionismo son:
• Ningún color existe por sí mismo en la naturaleza.
• Los objetos y su coloración son producto de la imaginación.
• La creación de los colores la da la luz del sol y esta coloración depende de horas del día.
• La luz acariciando a la materia revela las diferentes formas.
• Los colores claroscuros dan idea de volumen y distancia.
• El ojo es el que hace por la intensidad del color ver la distancia de los objetos.
• El color y la forma coexisten, ya que el primero radica en la luz solar y el dibujo que da la forma depende de la superficie policroma.”matizada”.
• Los colores se modifican según el ángulo de incidencia de los rayos solares.
• La sombra no es falta de luz, sino luces de otras tonalidades.
• Las mezclas de coloridos crean tonos sucios, de aquí que los colores deban ser netos, siendo los siete colores de la naturaleza los únicos que el ojo humano puede ver en toda su expresión.
A partir de aquí los distintos movimientos van a seguir evolucionando dentro de un principio de libertad con nuevos retos en el ámbito temático compositivo y técnico, de acuerdo con las aportaciones de los pensadores, descubrimientos científicos y la realidad o apetitos sociales.
La concurrencia de ideas, expresadas en teorías y exposiciones conjuntas, suscita en algunos artistas la necesidad de dar nombre propio a sus investigaciones, surgiendo un movimiento o vanguardia.
Cronológicamente:
- La primera se aglutina entorno a la figura de Cézanne, marcada por una nueva sensación espacial y por una reducción volumétrica de los objetos, que dará origen al cubismo y a su derivación abstracta y geométrica.
- La otra corriente postimpresionista está encabezada por Van Gogh y por Gauguin y ella se plasma el drama existencial que estará presente en el expresionismo figurativo, el dadaísmo, el surrealismo y todo el expresionismo abstracto.
Como resultado de las dos tendencias anteriores surgen, en la década de los años 70, las nuevas vanguardias: el Op-art, el Arte cinético, la Nueva abstracción y el Minimalismo por una parte, y por otra la Nueva figuración, el Noedadaísmo, el Pop-art y el Hiperrealismo. Y ya, en las últimas vanguardias, tenemos el Arte conceptual, el Arte terrestre y el Arte pobre , entre otros.
El hombre-artista, desarrollan una absoluta libertad creadora. Sobre está base nació la temática de los movimientos artísticos que siguieron al impresionismo. Junto a pintores y escultores procedentes del ambiente del impresionismo hacia los finales del XIX, fueron los que se aventuraron a la búsqueda de una realidad nueva y diversa, más amplia y sobre todo más significativa que los resultados de toda percepción sensorial que el ojo humano puede interceptar en la instantaneidad de la visión. A esta misma generación pertenecieron, también algunos arquitectos que, al rebelarse, contra el virtuosismo corriente agotada ya en trilladas fórmulas, sentaron las bases para una nueva auténtica arquitectura.
Todos ellos consideran la creación de una imagen del mundo como un acto totalmente espiritual, una acción de la voluntad humana, del incesante poder creador del hombre. Cézanne como Van Gogh buscaron una realidad más profunda y concreta en lo espiritual y la pasión y el sentimiento abriendo un camino al arte del XX, con un conocimiento de la realidad para dar una similitud con la música y la armonía de tipo polifónico. Los artistas del XX, incluso aquellos que se han rebelado contra la tradición, siempre se han considerado hijos de sus grandes predecesores, Cézanne, el codificador, Van Gogh, el revolucionario.
En la arquitectura, alrededor de los mismos años, que en la pintura, se llego a esa mutación que conducirían a una nueva construcción, basada en los principios completamente originales poco a poco experimentaban nuevos materiales y nuevos métodos, gracias al frances Viollet-Duc. Con su profundo conocimiento de la arquitectura y con la noción de sus aspectos y técnicas supo desentrañar de la multiplicidad de formas y principios fundamentales del arte arquitectónico, con el conocimiento de los nuevos materiales sentaron las bases para el desarrollo de una nueva arquitectura racional que partía de los elementos ya conocidos por sus predecesores. Mientras en América con los nuevos materiales planteaban nuevos problemas arquitectónicos la invención del ascensor hizo factible la realización y el uso de los rascacielos.
El paso entre los siglos había liberado la pintura y la arquitectura de la esclavitud de los cánones del pasado. Su arte había creado una imagen inédita del universo, su modo de considerara la realidad implica un mundo rico en nuevos significados de los que solo el arte poseía la clave.
Henri de Toulouse-Lautrec, un belga James Ensor, un suizo Ferdinando Hodler y un noruego, Edvard Munch, cada uno en su estilo, prepararon la transición al arte moderno. Ya en las ultimas décadas del siglo XIX, en casi toda Europa se habían producido un movimiento no solamente pictórico, que conscientemente se denominaba. A sí mismo arte, nuevo bajo el nombre de Art. Nouveau, Modern Style o arte joven, esta corriente, crea una generación más joven intentaba establecer una unidad entre el arte y el ambiente que rodea cotidianamente al hombre. De ahí el interés de esta generación por la arquitectura, decoración y el arte industrial.” Diseño de masas”.
Art. Nouveau.
El arte de los años alrededor de 1900 se expresa con más claridad en las obras arquitectónicas y en las artes gráficas y decorativa, que en la pintura. La figura más relevante en e mundo de Art Nouveau es el arquitecto belga Víctor Horta con sus nuevas técnicas constructivas en el hierro, el movimiento orgánico de las obras de Horta nutre temática estructural de la arquitectura, encontró un terreno fértil sobre todo en las artes aplicadas como fue Henri van de Velde en sus diseños de muebles y utensilios elige como punto de partida el movimiento de la línea y el valor expresivo intrínseco a ella. El ornamento y la forma no están ya separados, sino que se funden en todo objeto donde la funcionalidad y el movimiento se unen orgánicamente en una síntesis sugerente este estilo nuevo Moder Style, Art Nouveau, Arte joven. Parte de la transposición de un ornato, con motivaciones el reino vegetal, hacia un lenguaje independiente hecho de movimientos lineales.
La pintura del periodo caracterizado por el Art Nouveau, procede de los temas y principios de Gauguin. Los fundamentos principales de esta corriente se remontan a la estética Charles Baudelaire pone el significado simbólico de los hechos visibles de la realidad, sino también de los colores, de los sonidos y de los perfumes. El símbolo se entiende como el sentido de que aquellas cosas no solamente se representan a sí mismas, sino que sobre todo indican, a través de toda las palabras que corresponden a ellas en sentido literal y figurativo, un significado interior. Esta estética de la naturaleza y de la realidad penetra en el reino de las artes plásticas causo un estrecho contacto con los pintores, poetas y literatos. Los pintores todo eso significaba que el color y la línea no dependían si no del objeto de la realidad, en la que podían ser siempre observados, sino que llevaban una existencia propia e independiente comparable solamente a la existencia autónoma y totalmente simbólica del lenguaje esta fórmula contiene el origen de un arte de tipo abstracto. Por ello la pintura alcanza su más profundo significado gracias al artista y no al tema.
Este arte puso nuevamente de manifiesto el acto espiritual del artista, su papel activo con la relación a lo que le rodea su entorno. Hacer patente las cualidades simbólicas del color y de la línea y su potencialidad expresiva, contribuyo al nacimiento de un arte que encontró la aplicación en el Art Nouveau, cuyos terrenos fue el tronco de la flor, el movimiento vibrante del tallo que es retuerce hacia arriba, él llamando adorno a latigazos. Durante años ese estilo siguió existiendo como expresión del sentimiento vital de una generación que habían sentado las bases para las innovaciones del siglo XX, sobre todo en las artes aplicadas: vidrio, cerámica, tejidos, carteles.
Bibliografía de Consulta:
Hans L. Jaffe. El arte del siglo XX. Edaf, s/f.
Penny Sparke. El diseño en el siglo XX. Los pioneros del siglo. Blume, Barcelona, 1999.
Pilar Berganza Gobantes. Vanguardias y artistas del siglo XX. Notas de arte. Edetania ediciones, Valencia. 1994.
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